La Pirelli ha presentato a Londra la 43° edizione del suo Calendario aziendale, oramai considerato un must del marchio, la cui produzione è stata assegnata quest'anno alla fotografa Annie Leibovitz.
L'artista statunitense aveva già collaborato con l'azienda nel 2000 immortalando le danzatrici del corpo di ballo del coreografo Mark Morris, in quell'occasione la sensualità tipica del calendario era stata totalmente abolita in favore di forme scultoree, decapitate, che danno piena importanza all'espressione del corpo privandole di quella del viso.
Le protagoniste sono tredici donne che hanno raggiunto traguardi importanti nella vita professionale, sociale, artistica e sportiva.
In pieno accordo con le direttive di Pirelli e con il proprio stile, l'opera della Leibovitz non presenta immagini di nudo integrale; fatto che testimonia la volontà dell'artista di non ridurre la femminilità alla sola estetica del corpo femminile, concentrando piuttosto l'attenzione del fruitore su tratti espressivi e pose che rimandano ad una attività sociale, in una qualche misura agonistica.
Il concetto di donna che incarna il messaggio, è dunque sensibile alla rivoluzione sociologica(che l'artista ha peraltro vissuto) che ha visto le donne acquisire sempre più il diritto di esprimere le proprie potenzialità e di contribuire con successo nei più svariati ambiti.
La Leibovitz ha quindi optato per una location povera nella composizione, come nel contenuto, per dare risalto alla personalità del soggetto; il tutto amplificato dall'uso sapiente di focali idonee sposate ad una più che magistrale illuminazione facendoci fruire in primo piano le caratteristiche peculiari dell'ovale di ogni personaggio correggendone i difetti fisici più evidenti o comunque attenuandoli.
Le foto si compongono perlopiù di ritratti e in qualche caso di figure intere come ad esempio nella foto della tennista Serena Williams dove la Leibovitz ha fatto saggiamente uso di un'illuminazione laterale per accentuarne il più possibile l'importante muscolatura.
Serena Williams for Pirelli Amy Schumer for Pirelli by Annie Leibovitz by Annie Leibovitz Tratta le sue modelle come vere e proprie opere dell'arte pittorica trasformando Amy Schumer in una bagnante di Renoir in carriera piuttosto che enfatizzare il volto angelico dell'attrice e modella Natalia Vodianova trasformandola in una madonna: una composizione che rimanda inesorabilmente verso un'iconografia sacra della natività (probabilmente per i suoi studi di pittura) in chiave contemporanea.
Il fondale, pur essendo povero(due banali teli) si sposa perfettamente con la figura in primo piano con cui si bilancia a livello cromatico e chiaroscurale. Natalia Vodianova for Pirelli by Annie Leibovitz
Un mix esplosivo di semplicità formale e complessità tecnica ma soprattuto semiotico-comunicativa.
ABC della Comunicazione La comunicazione in ogni sua forma e tipologia è a tutti gli effetti un'interazione che costituisce un complesso che dà accesso ad uno spazio condiviso tra individui. La dinamica comunicativa è modulata da interlocutori, che combinando concetti ed emozioni in base alle proprie esigenze e al proprio bagaglio culturale, si sintonizzano l'un l'altro in un processo autopoietico di scambio di informazioni.
Possiamo immaginare il processo comunicativo come un loop continuo con regole vincolanti ma non fisse che vertono al raggiungimento di un equilibrio compositivo.
L'armonia quindi non è altro che un buon compromesso tra le variabili in gioco.
Quindi la struttura in un aspetto grafico fatta di visual e copy, avrà la sua armonia quando ci sarà giusta mescolanza e connessione tra immagine e testo posti in ordine gerarchico, atte ovviamente ad un processo narrativo fatto di concetto ed emozione.
Ecco qui in basso un esempio a dir poco esemplificativo di cui ho parlato sin d'ora.
Questa pubblicità di Volkswagen attinge dai principi di giusta mescolanza tra immagine e testo ponendo in rilevanza quelli che sono i limiti del prodotto sfruttandoli a proprio vantaggio grazie all'uso di un'affermazione attenuante, quindi di un understatment, creando un racconto ironico, un vero e proprio negative approach. La composizione è rigorosa, pulita e ordinata e questo già aiuta in una prima lettura più superficiale dello schema compositivo.
L'importanza delle grandezze del corpo testo e dell'immagine enfatizza il messaggio già ben definito della headline: think small; si invita quindi l'interlocutore con una frase ferma e incisiva, ma allo stesso tempo ironica, a pensare che il piccolo sia la cosa che fa per lui, che pensare Volkswagen sia giusto o addirittura l'alternativa.
E'fondamentale quindi avere ben chiaro il tipo di affermazione da comunicare, che può essere un'affermazione esagerata,un'overstatement, piuttosto che un'understatement come nel caso di "think small", cioè di un'attenuazione.
I processi di sintesi cognitiva portano quindi ad avere infinite possibilità comunicative giocando tra intertestualità ossia attingendo dalla propria eredità culturale, dalle ambiguità dialettiche (ovvero il doppio senso, l'ironia ecc...) per stabilire anche una connessione con il linguaggio popolare, e le immancabili figure retoriche.
Ovviamente da un'affermazione noi possiamo trarne sia l'intensità con cui questa ci viene posta che l'intenzione che l'affermazione pone come possiamo notare in questa campagna pubblicitaria alquanto auto-esplicativa.
Questi sono gli strumenti basilari per la realizzazione di una buona dinamica comunicativa, legata con particolare attenzione al linguaggio pubblicitario.
Robert Doisneau Nasce in Francia nel 1912, inizia la sua carriera artistica come litografo e scultore e solo successivamente arriva alla fotografia incentrandosi sullo studio della tecnica fotografica. E' ricordato come reporter per l'agenzia RAPHO e come fotografo industriale ufficiale per l'azienda Renault. La sua particolarità è quella di rubare i momenti che immortala in maniera istantanea dalla movimentata vita della periferia parigina, in certi casi dando una rappresentazione umoristica dei personaggi dei suoi scatti, personaggi sempre quasi sempre in movimento.
Robert Mapplethrope
Ha fatto moltissimi ritratti in studio, still life (soprattutto di fiori e piante), fotografa in bianco e nero ed ha una estrema cura dell'inquadratura e dell'uso della luce.
Nasce nel Queens nel 1946 , a soli 16 viene sorpreso mentre tenta di rubare da un negozio di Times Square un giornaletto pornografico gay. “ pensavo che se avessi potuto in qualche modo renderli arte, se avessi potuto mantenere quella sensazione, avrei creato qualcosa di unicamente mio”.
Inizia a fotografare con una Polaroid ma è con l’uso dell’Hasselblad (l'unica che supporta il negativo quadrangolare 6x6) che può finalmente mettere in pratico il tecnicismo che lo ha reso celebre.
E' realizzata in studio la maggioranza dei suoi scatti passando da temi più comuni fino a ritratti di celebrità tra cui Andy Warhol, Deborah Harry, Patti Smith e Amanda Lear, soggetti sadomaso e studi di nudo soprattutto maschili con qualche eccezione di nudi femminili.
Enfatizza la muscolatura dei suoi modelli con una luce radente laterale, caratteristica che lo paragona ai nudi Michelangioleschi piuttosto che a Caravaggio per l'uso sapiente della composizione delle luci.
Era anche appassionato di still life soprattutto riguardo fiori perché attratto dalle forme geometriche naturali sperimentandone la trasparenza; fotografie caratterizzate da un'estrema semplicità formale curata in maniera maniacale dal punto di vista compositivo e chiaroscurale.
Sebastiao Salgado
Nato nel 1944 in Brasile, attualmente vive a Parigi; considerato uno dei più grandi fotografi con una vastissima produzione di reportage e ritratti.
Si avvicina all’Agenzia Sygma, poi Gamma per approdare infine alla Magnum occupandosi soprattutto di reportage di carattere socio-umanitario.
Utilizza principalmente la Leica per la sua versatilità d’uso, soprattutto per il reportage, la qualità delle ottiche e robustezza della macchina.
“ Diversamente dal cinema e dalla televisione , la fotografia ha il potere di produrre immagini che non sono dei piani continui ma dei ritagli di piani: frazioni di secondo che raccontano delle storie complete”dice il fotografo Brasiliano naturalizzato Parigino.
Troviamo molte scene di vita soprattutto per quanto riguarda il suo viaggio in Africa, ma in generale dei suoi viaggi.
• Steve Mccurry
Fotografo e fotoreporter americano datato 1950, studia fotografia e cinema alla Penn State University laureandosi infine nel 1974 in teatro.
Realizza per due anni reportage in India per poi continuare a documentare conflitti internazionali tra cui le guerre in Iran e Iraq, Beirut, Filippine, Afghanistan e la Guerra del Golfo, fotografando i volti dei civili devastati dalla guerra. Nella resa fotografica si contraddistingue per l'uso del colore pieno quasi 'ipersaturato', dai forti toni e da schemi cromatici particolarmente complessi con cui preme per enfatizzare la staticità e la forte carica espressiva dei suoi soggetti.
Il suo scatto più famoso è lo scatto che ritrae la ragazza afgana, definita come la fotografia più riconoscibile nella storia della celeberrima rivista National Geographic.
• Terry O’Neill
Nasce in Inghilterra nel 1938,la sua carriera di fotografo all’età di 22 anni e cominciò presto a collaborare come freelance con le riviste Vogue, Paris Match e Rolling Stone. Tutt'ora lavora a Londra dove continua con i suoi ritratti a famosi artisti musicali e dello spettacolo.
I suoi legami con il mondo Hollywood hanno contribuito all’immenso successo di O’neill a livello internazionale.
Ha fotografato i Beatles, Rolling Stones, varie star di Hollywood, fino ad arrivare ad essere nominato fotografo ufficiale della famiglia di Buckinghman Palace.
Nei suoi scatti emerge chiaramente come la complicità che il fotografo stabilisce con i soggetti rendendoli spontanei e naturali, metta in luce un riflesso veritiero della natura di questi ultimi.
In ogni opera d’arte si esprime una forma originale creata dalla fantasia di un autore determinata dalla sua sensibilità, dal riflesso della cultura e della società a lui contemporanea, piuttosto che da i materiali con cui l'opera stessa comunica ed è elaborata; in effetti l'opera d'arte lancia un messaggio che supera il tempo e il luogo in cui è stata creata, per diventare un simbolo o una delle icone della storia poiché l'arte è da sempre stata soprattutto comunicazione: la fantasia degli artisti si scatena nel realizzare immagini che hanno quasi sempre un significato simbolico ed un valore sociale da dover comunicare.
Nel caso della Fotografia, si può quindi giungere alla conclusione logica che ogni singola fotografia è un qualcosa di unico. Dobbiamo partire però col presupposto che la fotografia non riprodurrà mai un oggetto per come è, quale essenza oggettiva di alcunché.
"Una tal cosa non esiste" cit. Berenson.
"Innumerevoli fotografie scattate nelle medesime condizioni ottiche non daranno mai risultati assolutamente identici" cit. Schwarz.
Una riproduzione infatti non può essere mai qualcosa di amorfo, dietro c’è sempre una scelta formale e comunicativa; secondo U. Mulas il fotografo è di fatto prima che un esecutore, un critico: "è cosi che lui si definisce il cui compito però non è quello di giudicare bensì di darci unachiave di letturadi un’opera".
Fino all’avvento del digitale la fotografia è sempre stata avvolta da un’aura di verità infatti se un evento è riprodotto fotograficamente allora è reale, come se la fotografia fosse realmente, come amavano definirla i pittori all’epoca della sua invenzione per denigrare questa nuova forma espressiva, " quell’arte automatica ".
Di fatto le differenze tra le varie tipologie di arti sono del tutto insignificanti poiché ogni artista, indipendentemente dal mestiere a lui più affine, dà al fruitore la possibilità di osservare l'immagine prodotta attraverso il suo occhio, il cosiddetto occhio dell'artista.
Negativo Chimico e Negativo Digitale: il Raw
Negativo fotografico chimico
Gli elementi fondamentali che caratterizzano il negativo fotografico chimico sono essenzialmente quattro :
• il negativo è un punto di passaggio per poter fruire delle immagini con esso riprese e questo comporta un passo ulteriore: la stampa.
• Se conservato correttamente il negativo costituisce anche la prova inconfutabile della paternità dell’opera.
• Da un negativo è possibile ottenere infinite stampe, anche profondamente diverse l’una dall’altra.
• Nel negativo sono comprese molte più informazioni di quante possano essere rappresentate su un qualsiasi metodo di stampa ed è per questo che è possibile ottenere diverse interpretazioni dello stesso negativo.
Negativo digitale
Attraverso il formato grezzo RAW in realtà abbiamo uno strumento con le stesse potenzialità di un negativo chimico.Con il termine Raw, grezzo dall’inglese, si definisce il formato di ripresa digitale costituito dai dati scaricati direttamente da un sensore, prima che il software interno alla fotocamera intervenga con tutta una serie di regolazioni.
Considerato il fatto che il formato Raw, analogamente alla pellicola negativa , è un formato transitorio, di passaggio, da questo infatti si potranno ottenere dei formati come Jpeg o Tiff, ma MAI si potrà creare un Raw da un qualsiasi altro tipo di formato, per cui gli scatti in Raw costituiscono una prova inconfutabile della paternità della foto.
Un altro punto a favore dell’utilizzo di questo formato è costituito dal fatto che i software utilizzabili per la conversione sono in continuo sviluppo e ad ogni versione vengono aggiunte caratteristiche e potenzialità nuove.
Il formato grezzo Raw rispetto al negativo chimico ha il grande vantaggio che di essere duplicato senza alcuna perdita d’informazione in modo da avere un’ulteriore garanzia sulla conservazione dell’archivio fotografico.
L’impiego del formato Raw in ripresa consente la regolazione di tutti i parametri dopo la ripresa senza costituire compromessi qualitativi quindi posso correggere senza perdere qualità.
Conservazione e archiviazione
Le immagini digitali sono un insieme di numeri binari che richiedono l’uso di un computer, o comunque di uno strumento di lettura digitale del supporto per essere tradotti in immagine visibile e fruibile.
La Pellicola e il Sensore
La fotocamera analogica “scrive” con la luce su un supporto chiamato pellicola, rispettando il percorso tra obiettivo, diaframma ed otturatore che determina il tempo di esposizione.
Lo stesso avviene con una fotocamera digitale dove, al posto della pellicola collocata sul piano focale, trova posto un sensore in grado di convertire i fotoni in segnali elettrici.
L’immagine fotochimica è caratterizzata dalla qualità specifica del supporto su cui viene memorizzata, differenziato su ogni emulsione in sensibilità, contrasto, rendimento cromatico e nitidezza.
In pellicola è in pratica impossibile raggiungere l’indistruttibilità assoluta delle informazioni contenute, che con il tempo andranno perdute o comunque sensibilmente deteriorate.
La pellicola mantiene dunque caratteristiche specifiche con l’indubbia possibilità di creare immagini anche senza energia elettrica.
Il
Graphic Designer si occupa
principalmente di creare oggetti visivi, atti anche adper essere stampati, pubblicati
o trasmessi tramite i media digitali, tramite il testo e le immagini, con l'intento di comunicare un messaggio ai consumatori nel modo più semplice ed efficace possibile, tramite la combinazione di una componente visiva e testuale.
Con l'avvento della
Seconda Rivoluzione Industriale, quindi con l'aumento della
competitività produttiva tra aziende, nasce il bisogno di attrarre
l'attenzione del consumatore verso i propri prodotti, in maniera
semplice ed efficace.
Le mansione del graphic designer in genere sono: • progettazione e realizzazione di comunicazioni pubblicitarie
sia online che offline.
• creazione di prodotti editoriali.
• Packaging, ovvero la progettazione del confezionamento del prodotto sia per quanto riguarda la forma 'architettonica' piuttosto che quella grafica.
• ToulouseLoutrec
E' stato un pittore francese, tra le figure più significative dell'arte del tardo Ottocento.
Lautrec appartiene a quella schiera di artisti che
hanno creato un po’ le basi del design contemporaneo, fine ottocento e inizio
novecento.
• Leonetto Cappiello Il pittore livornese incarna quella che è la prima figura del
grafico
pubblicitario moderno.
Con il manifesto per la Chocolat Klaus, Cappiello
rivoluziona i canoni della grafica pubblicitaria.
Realizza infatti manifesti caratterizzati
da personaggi che non hanno
più
attinenza diretta con il prodotto da pubblicizzare,
ma creando
un'immagine- marchio altamente riconoscibile.
• Marcello Dudovich Mentre con Dudovitch si mantiene quella veste illustrativa
portando però in primo piano il prodotto da
pubblicizzare
• Fortunato Depero Tra pittura e scultura, l'artista si è destreggiato nella pubblicità
portando quella vena Futurista a cui era particolarmente legato.
• Paul Rand
Conosciuto per il redesign del logotipo della ditta IBM e per la progettazione del marchio della Westinghouse
•Saul Bass
Si dedicò a realizzare loghi e immagini coordinate per
numerose celebri aziende, riuscendo sempre ad avere una coerenza stilistica, ma soprattutto viene ricordato come l’uomo che ha
fatto diventare le sequenze introduttive di film rendendone una vera e propria forma d’arte.
•Bob Noorda
È stato uno dei designer più conosciuti, architetto olandese naturalizzato
italiano. A partire dagli anni sessanta, si è affermato come uno dei principali protagonisti del rinnovamento della grafica italiana del novecento .
• Milton Glaser
Tra i maggiori grafici dell’età contemporanea, principalmente conosciuto per il celeberrimo logo I Love New York e il celeberrimo manifesto di Bob Dylan.
• Stefan Sagmeister
Designer e tipografoaustriaco, Sagmeister è considerato uno dei più importanti graphic designer contemporanei. Noto soprattutto per i suoi manifesti ,per le sue copertine di dischi, come quello del cantante Lou Reed, e per le sue prese di posizione provocatorie .
• Jessica Walsh Considerata la più talentuosa graphic designer a soli 29 anni, l'artista americana insegna alla Scuola di Arti Visive a New York design e tipografia. E' stata la compagna di Sagmeister e con lui collabora frequentemente. Il suo repertorio è particolarmente vasto, dalla grafica al product design, dal web design alle installazioni multimediali.
I Formati Standard Tipografici
Le dimensioni standard della carta forniscono al graphic designer e allo stampatore un mezzo efficace e pratico per comunicare le specifiche del prodotto.
Lo Standard Internazionale del formato carta, l’ISO 216, si basa sullo standard tedesco DIN 476.Esistono anche altre due codifiche che riguardano gli standard, ovvero quelle in B(relative ai libri) e quelle in C (riferito alle buste).
Uno degli aspetti fondamentali dell'impaginazione è il Layout, ovvero il modo più efficace di disporre gli elementi di una composizione grafica (estendibile in effetti a qualsiasi campo di rilevanza artistica) Il layout è quindi in questo caso la composizione di una eventuale pagina di giornale piuttosto che di un manifesto, il giusto compromesso tra immagini e copy.
Le tipologie di immagini sono fondamentali e di base ne esistono due:
l'Immagine Raster, composta da Pixel disposti su una griglia, caratterizzata da una risoluzione fissa e per questo mediamente duttile per la sua peculiarità di perdere risoluzione nel caso di un ingrandimento.
L'Immagine Vettoriale è formata da oggetti ridimensionabili, definiti da equazioni matematiche e tracciati, (ovvero le curve di Bézier) caratteristica che la rende utilizzabile ad ogni tipo di ingrandimento senza perdita di risoluzione.
Serena Williams for Pirelli Amy Schumer for Pirelli
